L'Atalante - Jean Vigo - 1934

L'Atalante es la obra póstuma de Jean Vigo, la cual no pudo ni observar finalizada. Se puede decir que Jean vigo fue un poeta de la imagen y lo dejara plasmado con este film. Una historia romántica con un argumento sencillo, cuatro personajes que llenan una historia por completo, los cuales son presentados a través de una narrativa selecta de imágenes, puntual, fresca, donde el lenguaje cinematográfico es explotado al cien por ciento. He ahí la magia de esta gran obra del séptimo arte.  

L'atalante, es como el cine en si mismo, es un viaje, interminable, con inicio pero sin fin, que nos deja al final el juego libre de nuestra imaginación. Una historia perfectamente narrada, que nos lleva por altos y bajos, como una melodía. Donde dos personajes se aman, se desean, se buscan, se separan, se ponen a prueba para aceptarse y reconocerse, a través de un viaje vehemente que los une en un hermoso final. El cine sonoro a penas nacía y Jean vigo supo hacer una poesía de él.

L'Atalante de Vigo, nos presenta además de su increíble narrativa, imágenes poéticas, que otorgan sentido y significado al film más que ninguna otra cosa. Imágenes que transmiten sentimentalismo y unión entre los objetos e historia presentados. Innovación de ángulos, tomas subacuáticas, aérea y cámara en movimiento. Juegos de cámara que han quedado marcados para la influencia de directores posteriores como: Terrence Malick y James Cameron.

Este viaje lírico nos cuenta la historia de un joven capitán Jean (Jean Dasté) proveniente de un pequeño pueblo francés y su esposa Juliette (Dita Parlo). Ambos jóvenes, recién casados, se embarcan en L'Atalante junto a sus otros dos tripulantes, el viejo Tio Louis y su adolescente compañero. Todos zarpan y no hay vuelta atrás. A partir de aquí nuestra trama es un viaje poético, con todos los altibajos de las relaciones amorosas.

Jean y Juliette navegan junto a los otros dos, celebrando su luna de miel, al principio se hace notar la alegría, el disfrute, las risas y caricias de los nuevos amantes. El tío Louis y el adolescente, igualmente conviven y no se entrometen en la vida de los enamorados.

 

La monotonía empieza a afectar la relación, no solo de la pareja sino con los otros pasajeros también. Juliette pregunta a Jean que cuando llegaran a la ciudad. Juliette se siente aburrida, a pesar de haber estacionado en ciertas localidades, ha sido cautivada por la idea de ver París y conocer mas allá del pequeño pueblo de donde jamás había salido.

Una vez llegados a París, Juliette esta cautivada, y desea salir a conocer la ciudad. La pareja sale y Juliette sigue maravillada por una ciudad que primero le ofrece una apariencia la cual no es en realidad.

No solo queda encantada con aquello que ve en las calles, sino también su corazón es tocado por un pequeño mago de bares, que intenta cautivarla y es aquí cuando empiezan los celos de Jean. Creo que Vigo describió de una manera espectacular todas las etapas que vive una relación en este largometraje. La emoción, la rutina, los celos, la perdida y si cabe la posibilidad, el recuperar al ser amado.

Ambos discuten y se fractura la unión, Juliette decide ir a conocer por si misma la ciudad, mientras James, atacado por los celos, pensando que se ha ido con ese joven del bar, decide partir sin importar nada, ni ver atrás. Se separan, sin certeza de que van a volver a verse. Juliette se enfrenta a una nueva aventura, la misma cara de maravilla presentada por a ciudad, es lo primero que observa, pero con el pasar de los días se ira dando cuenta, de que lo que en un principio fue maravilloso de esa gran ciudad, ya no es así, y como en todos lados, encuentra el desprecio, aprovechamiento, irracionalidad y violencia de los hombres.

Jean pasa sus días deprimido, desesperado, no es el mismo, se ha transformado en un muerto en vida, sabe que le falta algo que era parte de él, se siente incompleto. No tiene apetito por nada ni nadie, solo existe algo en su cabeza y es Juliette.

Jean no sabe que hacer, Juliette tampoco deja de pensarlo. Hay una escena espectacularmente erótica y poética. Cuando ambos personajes se piensan, se tocan y actúan igual en diferentes ambientes, esto es una prueba del genio de Vigo por su consitencia en la verosimilitud de las imagenes. Jean solo recordaba unas palabras que Juliette le había dicho: Cuando metas la cabeza en el agua y abras los ojos veras a tu amor. Jean lo muestra en varias escenas, hasta que decide saltar del barco y hundirse en agua para ver si logra ver a su amada.

A partir de aquí creo que es preciso analizar a un personaje, que, al principio vemos solo como un complemento, que puede pensarse incluso que no esta más que allí sino para llenar o estorbar, pero es nada más y nada menos aquel quién funge de nexo para los jóvenes amantes, y quién trae de vuelta a Juliette al barco, devolviendo así la vida al corazón de Jean.

En el Tio Louis, podemos observar a un hombre acabado, ya dispuesto a pasar sus últimos días. Un hombre curtido de mil y un experiencias, demostrado en sus antiguos recuerdos y tatuajes, viajero sin limites, seductor de muchas mujeres, que ahora contempla la vida desde esa vieja embarcación, junto al joven tripulante, sus gatos y ese pequeño adolescente que trata como si fuese su abuelo. Un coleccionista peculiar, quien tiene objetos hasta de la Caracas de 1890, navajas y las manos de su amigo en formol – bastante gracias esto – y el fonógrafo que intenta arreglar una y otra vez. El viejo marinero, lleno de tinta, entre tabaco y alcohol, sabe que los jóvenes necesitan estar unidos para subsistir, tener algo parecido a lo que llamamos felicidad.

El Tio Lous sale en busca de Juliette para traerla de nuevo al barco, Juliette llega y se encuentra con Jean, despojando una sonrisa y gestos de amor increíbles. Vigo nos anticipa con una toma aérea y nos despide con un hermoso fina feliz.

L'Atalane de Jean vigo es sin duda una obra maestra del séptimo arte, su sencillez en concepto y complejidad narrativa, su ligero argumento presentado de una manera solida. Utilizando una música complaciente acompañada de imágenes hermosas, llenas de una belleza exquisita. Una novia vestida de blanco caminando por una barcaza, la mente de un viejo marinero hecha objetos, un capitán joven preso de las emociones. Sentimientos a flor de piel de dos jóvenes que se aman y no lo esconden y ambos sufren por ello. El humor, los juegos de palabras y equivocaciones, los dobles sentidos, los escondites y los reencuentros existen en la embarcación, está muestra a su vez las etapas de las relaciones en un solo viaje y es que eso son, no más que un viaje en nuestras vidas, el barco en el cual nos anotamos.

L'Atalante es una muestra también del Anarquismo Poético existente en Jean Vigo, dos jóvenes que se separan de la vida convencional, del convencionalismo social, de la autoridad y del poder, en un mundo sin fronteras, donde son capaces de amarse y ser libres. 

La Gran Ilusión - Jean Renoir's 1937

La Gran ilusión; Gran ilusión de poder alcanzar lo inalcanzable, quizá, de ese sentido de esperanza, de la espera, de la desidia, de estar atrapado y saber si se volverá a salir, a observar el mundo al cual se pertenece. En sentido de guerra, el cual es el que nos concierne en esta ocasión, es; si se volverá a ver a la madre patria, si el humano podrá alcanzar el dialogo antes de las armas, si se podrá vivir en un mundo feliz. La gran ilusión de Renoir's nos transporta a los años 1918/19, estructurando su guión junto a su amigo Chares Spaak basado en las evasiones reales de un combatiente francés amigo Renoir's y de el mismo, ya que, dicha historia rescata mucha de las experiencias que vivió Renoir's en su servicio en la división de aviación durante la Primera Guerra mundial. 

Todo empieza con el teniente Marechal (Jean Gabin) en una cantina recitando una alegre melodía, ahí mismo es ordenado a asistir a la oficina del Capitán General Boieldieu (Pierre Fresnay) para realizar un viaje de sobre vuelo, factor que nos llevara al desenlace de nuestra trama. En la siguiente escena tenemos a un personaje clave, quién hará el nexo entre nuestros otros dos personajes principales, El Mayor Von Rauffenstein, interpretado por Eric Von Stroheim.

El avión francés es derribado por la maquinaria alemana y nuestros amigos son llevados a una cárcel de prisioneros de guerra.

Aquí empezamos a notar como el humanismo poético de Renoir's empieza a empañar nuestros sentidos, y su critica se va haciendo presente. Amablemente llegan estos prisioneros al campo y son atendidos e invitados a comer junto al Mayor Von Rauffenstein y otros alemanes. En el caso de la vida real durante aquella situación bélica, hubiese sido imposible que estas dos naciones dialogaran, mucho menos los hombres que se encontraban realizando la batalla. 

Reitero lo escrito en lineas anteriores, el humanismo poético de Renoir's y su espíritu anti belicista se hace presente reiteradas veces, por ejemplo: en la escena de la comida; cuando hablan Marechal y el soldado alemán mientras este pica su carne al francés. La corona de flores por los dos combatientes caídos, junto al nexo de dos aristócratas de distintos bandos. Claramente una muestra de pacifismo por parte de Renoir's, la gran ilusión de que dos naciones puedan dialogar, de que hombres que se asesinan sin razones ni motivos, más que, por los intereses de círculos de poder, son capaces de convivir y tener una amistad.

Vemos la utilización de un fabuloso juego de cámara, tomas muy cerradas que nos permiten la apreciación directa de la escena en cuestión, que logra captar nuestra atención rápidamente.

Tenemos también planos muy largos compuestos de paisajismo y armonía, existe una definición exquisita en la película utilizada y primeros planos que nos asemejan al retrato fotográfico por parte de Christian Matras.

 

Los prisioneros franceses empiezan a vivir la disciplina alemana, mostrando está, una vida algo no muy difícil, donde los carceleros mantienen buen trato con aquellos que aprisionan y los prisioneros mofan de ello. La historia bélica presenta un mar de música casi que interminable, la alegría de los soldados, establecida de una manera fresca y para nada humillante. Cantores tanto alemanes como franceses empañan nuestra pantalla, alegres melodías de guerra cargadas con sentimiento patriótico. Muestra a su vez esa vida y modo de ser del soldado que ha sido tapado por las películas norte americanas donde un bando es bueno otro malo, donde se sitúa a los personajes en una lucha constante por una victoria de barbarie.

El sonido, otorga a esta pieza del séptimo arte, un carácter simplemente único, ofrece una textura inigualable de sentimientos y representación inmejorables, donde no solo los cantos tienen su papel, sino también la expresión de las emociones de los personajes se transmiten drásticamente.

A Marechal y Boieldieu se les es presentado por sus compañeros de cuarto, un plan para escapar de las frías paredes de la prisión alemana, ambos en busca del mismo objetivo colaboran y se anotan al plan. Vemos como Renoir's hace uso de la comedia en diversas situaciones, ejemplo de ello es cuando: Uno de los franceses se introduce en el túnel, quienes están afuera escuchan un pequeño ruido, y mantienen su atención para vigilar y ver que pasa, uno sale a indagar más a fondo, mientras aquel que se encuentra en el túnel se esta ahogando, tira de la cuerda donde esta la lata amarrada para dar la señal, y ninguno se percata, solo cuando el que salio de la habitación llega y exclama ¡La Señal!.

Prisioneros y carceleros ríen dentro del humanismo anti belicista de Renoir's que además de que presenta una “trágica” historia de guerra nos baña de alegría y frescura en todo momento.

Los Prisioneros deciden hacer una obra de teatro, para divertir a sus compañeros y divertirse ellos mismos, espectaculares cantos y coreografías por parte de los actores y su puesta en escena. A todas estas Marechal se entera de la noticia de la caída de Duaimont, decide parar la obra, y los franceses empuñan un magnifico himno de guerra en contra de los alemanes.

Hay mismo nuestro Héroe es encarcelado, presa del aburrimiento y la desidia, lo observamos intentando hacer un inútil hoyo en la pared, el cual causa un poco de gracia como se burla de ello ante el primer soldado alemán que entra a la celda. El amiguismo se hace presente de nuevo mientras observamos a Marechal en la celda, desesperado por la soledad, el poco ruido, y la necesidad de escuchar su lengua y no la alemana. Observamos al guardia que le dice: Yo soy su amigo, Hable conmigo y le deja hasta una pequeña armónica, con la cual hace un poco de música y hasta el guardia alemán se termina alegrando.

 

Nuestro héroe sale y es puesto de nuevo en el mismo cuarto con sus compañeros, siguen en su plan de escape día tras día. Alarmados por el proceso de revisión de los cuartos deciden esconder todo lo que sea referente al plan, Boieldieu consigue un ingenioso plan para esconder la cuerda, además de estar armado de confianza por su rango y amistad con Von Rauffenstein, tanto es así, que al momento de revisar a Boieldieu, Von Rauffenstein detiene a sus oficiales. Esta relación amistosa que hace Renoir's aquí entre estos dos oficiales de alto rango, distinguida clase social y diferente nacionalidad, nos demuestra como Renoir's hacia muestra de la decadencia de las relaciones aristocráticas de Europa y del nuevo concepto de la sociedad moderna que se avecinaba. Por eso mientras charlan Boieldieu y Von Rauffenstein.

Von Rauffenstein le dice a Boieldileu: Marechal y Rosenthal son regalos de la Revolución Francesa. A lo que Boieldileu responde: No podemos parar el curso de la historia. Y efectivamente así es.

La Revolución Francesa, movimiento inspirado de los libros y pensadores de la Ilustración, como Montesquieu y El Espiritu de las Leyes, Voltarie y su racionalismo, y Rousseau con el contrato social. Trajeron consigo el nacimiento de hombres como Maximiliene Robespierre, hacedores de un movimiento que traería consigo el cambio para la sociedad actual como la conocemos. La Revolución Francesa sirvió para la caída de la Europa Monárquica y Aristocrática, transformándola en una Monarquía constitucional y debilitando las relaciones de poder de los Aristócratas abriendo paso para acentuar las bases de la burguesía, algo que el tiempo y la historia no podían evitar. 

Al ser transportados al castillo, observamos ese espíritu anti militar, amable y lleno de bondad, Von Rauffenstein al darse cuenta de las duras situaciones que tendrán que soportar nuestros protagonistas, les dice: Para que no se acuse a la barbarie alemana, he decidido aplicarles su propio reglamento militar, el francés. Otra muestra del espíritu anti belicista de Renoir's.

A todas estas, los franceses trazan su ultimo plan de escape, la astucia del General Boieldileu se hace presente, organizando un revuelo perfectamente cronometrado, junto a sus otros camaradas. Otra vez la música se hace presente, soldados franceses tocan flautas con melodías burlonas, los alemanes se alborotan y deciden ir a calmar a los franceses, retirando las flautas, mientras el reloj de Boieldileu corre, todos se hacen presa del revuelo, y son todos obligados a ir afuera para hacer un conteo. Todos son nombrados por el soldado alemán, pero el único que no esta allí es Boieldileu, observamos acá una gran muestra de camaradería, pues, él simula escapar, haciendo alboroto con una flauta, para que Marechal y Rosenthal puedan desaparecer aprovechando el alboroto.

Boieldieu es capturado por Von Rauffenstein. Ambos dos dentro de su relación tenían algo sumamente claro, que el deber de un hombre es el deber, y por encima nada puede haber. Militares al fin, hombres que siguen ordenes que no pueden dejar de cumplir, primero esta el honor y la fidelidad a la nación. Ambos se sinceran y se despiden de un modo amistoso y caballeresco para estos dos aristócratas. Muestro uno en campo de batalla y otro que seguirá la lucha interminable de la disputa de poderes.

Von Rauffenstein es informado que Marechal y Rosenthal han escapado, ordena informes cada cinco minutos pero sin resultados.

Los dos hombres logran salir de la prisión, escondidos y bagando por la noche, durmiendo en el pantano, soportando el frió, logran hacer de las suyas para sobrevivir. Durante estas escenas podemos observar el increíble manejo de la cámara por parte de Christian Matras. Hermosos paisajes en nieve, manejados con una luz que nos brinda la mayor definición y claridad posible, junto a una profundidad de campo que nos permite obtener la mayor cantidad de detalle en la escena, haciéndonos disfrutar de un goce visual.

Nuestros hombres, siguen su camino, y son obligados a refugiarse en la casa de una granjera. Aquí nos damos cuenta también de que, la guerra es perjudicial para las gentes sencillas, incluso para los supuestos vencedores; sirva como ejemplo la melancólica cuando Elsa (Dita Parlo) explica su triste situación, como también observamos el hastío y resignación de la mayoría de los soldados alemanes en un momento en que la situación de la guerra era favorable a Alemania.

Ambos hombres son recibidos por esta mujer en su casa, y se hace presente algo que no podía faltar, la amistad y los amores de guerra, se integran con ella, forman una pequeña familia momentánea, hasta que Marechal y Elsa se enamoran. Juntos disfrutan lo que tienen, porque ambos saben que tendrán que despedirse, tanto así es el amor de Marechal a Elsa que para este seria insoportable anunciarle su partida, y manda a su amigo Rosenthal. Ambos se despiden y sufren sus corazones. Los dos hombres parten en la noche con la esperanza de llegar a Suiza en donde estarán protegidos de las tropas alemanas. Mientras se preguntan si están cerca, teniendo ambos en cuenta de que, la muerte siempre esta presente, deciden decir adiós como buenos amigos y camaradas, se abrazan se besan y se despiden por si alguno es muerto en el camino. Ambos salen de los arboles a la aventura de llegar a Suiza. Observamos aquí un final espectacular con tomas insuperables de los paisajes en nieve, una tropa alemana divisa a los dos hombres a lo lejos, soldados empuñan sus armas y disparan y ahí mismo llega el jefe de la división y ordena frenar el ataque ya que aquellos hombres se encuentran en territorio Suizo. Los camaradas de guerra sin saberlo ya habían entrado al territorio esperado, mientras que Renoir's nos despide con una toma lejana, increíble compuesta en paisajismo de los dos hombres alejándose a lo lejos.

Para concluir no cabe más que decir que, esta es una obra maestra del séptimo arte, producida por el genio de jean Renoir's. Obra que nos maravilla con su espíritu anti belicista y su humanismo, expresados de una modo poético inigualable. Tomando en cuenta el amor y la camaradería, la amistad irreverente de dos Mayores de distintos bandos cumpliendo su deber, donde no existe el torpe maniqueísmo. La relación entre prisioneros y carceleros nos hace el foco del film. Observamos una sobresaliente capacidad en el juego de cámara, planos largos y una profundidad de campo exquisita. Haciendo emanar una atmósfera de realismo poético y humanismo narradas de un modo increíble. Dejando una lección de lo absurdo que son las guerras, como hombres sin conocerse se destruyen y sus cerebros funcionan bajo un deber de un tercero. Las guerras afectan a vencedores y ganadores por igual, a veces ni el mismo soldado sabe porque esta allí, Rosenthal y Marechal se dicen antes de despedirse, “Espero esta sea la ultima guerra”.  

Metrópolis - Fritz Lang - 1927

En comparación con películas anteriores a la época de Metropolis, Metropolis da un salto sumamente radical en cuanto a la estética y definición de la imagen, observamos un blanco y negro mas refinado un juego de iluminación y claros oscuros. Metropolis tiene la particularidad que en la dirección fotográfica participaron tres directores, Karl Freund, Gunter Rittau y Walter Ruttman. Estos hombres lograron del montaje algo impresionante, vemos juegos de cámara en una misma escena, un plano general combinado con un plano detalle, seccionando partes de cuerpo que se integran a un primer plano, encuadres sumamente pulcros y por supuesto una composición con un concepto pictórico establecido, donde las marcas del lenguaje están perfectamente fijadas.

Se ve le uso de la iluminación y la creación de texturas nuevas en los escenarios. La fotografía como la puesta en escena tiene un concepto netamente de expresionismo. Vemos como las imágenes plasmadas, de gran impacto, nos representan en su mas puro concepto a la lucha de clases, la alienación obrera, la explotación del hombre por el hombre y una pequeña inclinación al marxismo.

La primera escena plantea un encuadre impactante, cuadrado y mecánico, que nos sugiere este gran mundo de maquinas, la cual contiene una danza obrera contextualizada en la monotonía y el ser autómata ignorante de si mismo, estos obreros forman una gran masa geométrica que no se conoce y es dependiente de la verticalidad humana en una posición de sumisión (cabeza abajo), como a su vez el ciclo infinito interminable del trabajo obrero. 

Vemos la realización de escenarios arquitectónicos nunca antes vistos de una gran ciudad industrializada, la cual para la época de Lang representaba una visión futurista con el creciente poder del capitalismo, ciudad inspirada en su viaje a New York. Observamos un juego geométrico y una perfecta composición en las lineas, posición y balance de los edificios.  

Al ser la primera película de ciencia ficción, hay que tener en cuenta que Metropolis hace para sí artísticamente una colección de elementos de vanguardia futuristas, permitiendo así la transformación completa de los escenarios como la creación pura de una nueva realidad, no solo una nueva realidad, sino que es la transformación conceptual del planeta a través del montaje. Cada elemento en la escena nos representa un símbolo, un todo del tema en sí. Se observa también la unión entre el arte y la ingeniería preconizada por Walter Gropius.

En cuanto a la decoración de los interiores se ve un reflejo del Art Déco, se puede observar también en el montaje la mezcla con el surrealismo en la escenografía. Se observa ademas un juego con el erotismo y el cuerpo semi-desnudo de la mujer fatal, haciendo alusiones al los siete pecados que Lang desea manifestar.

Los tecnicismos, en el film podemos observar nuevas formas de trucaje y estenografía, el uso de maquetas, perspectivas ambiguas que sugerían encuadres diagonales u oblicuos, las imágenes también contienen una verosimilitud sumamente planificada y estéticamente profundas, cada una nos siguiere el devenir del film.

Creo que Metropolis afirma los contrastes en el arte alemán cinematográfico, en cuanto a lo visionario, el subjetivismos, el expresionismo y las tormentas de las grandes mentes alemanas. Como bien dijo Nietzsche: el arte alemán es esencialmente Dionisíaco mientras que el francés es Apolíneo.

Creo que no hay mejor escena que está, para demostrar el estudio pictográfico del montaje de los directores de fotografía de Metropolis. Observamos un encuadre con una figura central endiosada iluminada de un modo sublime, sin restarle importancia, haciendo énfasis en su pureza y religiosidad, formando una composición de cuatro cruces mostrándonos un lúgubre altar. Ademas de eso, notamos como la iluminación se pierde al final de las escaleras, dando esa sensación de la virgen inalcanzable. Observamos también la belleza del juego geométrico en la posición de los trabajadores, formando un cuadro perfecto, donde cada uno posee un espacio, existe un balance y un respiro de los hombres que allí se observan.

El guión fue una adaptación de la novela de su propia esposa Thea Von Harbur. Observamos el gran panorama estructurado que formo Lang junto a su esposa para realizar una secuencia de actos que no divagaran entre sí, y siendo así tan extensa que fue este el film más caro de la historia alemana. Lang y su esposa nos trasladan y de una magnifica manera al año 2026, es decir; cien años después de su rodaje, donde nos muestran como la verticalidad humana y el dominio de clases ha llegado a su extremo, colocando así a la clase obrera bajo la superficie. Se observa como Lang introdujo el incidente incitador con los niños en el jardín de los hijos y a partir de allí nuestra trama y el conflicto de Freder hijo se desarrolla llevandonos por una serie de contradicciones en si mismo y la curiosidad con las bases de la ciudad, observamos el juego entre las esferas de poder entre Freder padre y el creador de la maquina humana.

Personalmente creo que Lang para su época, quiso hacer ver la transformación industrial por la cual pasaba la sociedad del siglo XX llevada al futuro. En el siglo XX el hombre entraba en una nueva etapa junto a las maquinas, quienes desplazaban a una sociedad agraria, la brecha entre rico y pobres se extendía cada vez más, ya que, la burguesía acentuaba sus bases y las fabricas eran centros de explotación imparables sin ninguna caracterización humana como bien nos refleja en la película. La cultura se reinventaba a sí misma con la tecnología, la maquina era considerada un bien incondicional, el nuevo esclavo metálico abordado por la razón y tan frió como lo que esta hecho. La maquina significaba entonces la conquista del progreso.

Podemos considerar a Metropolis como un film en rechazo de la modernización basada en el capitalismo, en esa falsa modernidad compuesta y realizada solo por unos pocos pero construida por millones, por eso podemos observar la analogía que realiza Lang con la torre de Babel. Intenta rechazar el ser autómata trabajador de un sistema que solo le humilla del cual no recibe ninguna remuneración verdadera, con un trabajo que no dignifica sino que le sumerge más en esa falsa realidad y que le hace estar satisfecho aceptando todo sin un cuestionamiento, mostrando así ese carácter frio de la maquina, la cual la convierte en un instrumento de destrucción y deshumanizador.

El hombre es esclavizado por dicha maquina, mientras aquellos que se encuentran más arriba disfrutan de los nuevos privilegios y del dolor de los de más, aquel que cimienta su gran ciudad, por eso vemos claramente expresado en el film la antagónica lucha de clases. Lang coloca a los obreros como una clase incapaz de si misma, dejándose llevar por falsos ideales, que no terminan más que destruyendo sus propios medios de producción, allí a pese de que la película puede denotar un carácter marxista, vemos una critica severa al socialismo, mostrando como la relación que existe debe ser manejada de una manera diferente, más no debe dejar de existir.

Coloca a los mismos como un rebaño de ovejas, que se mueven al unisono, desconociendo de si mismos y su futuro, apegados no más que la rutina del presente, degradados como simples animales que pueden ser engañados e impresionados fácilmente.

Existe alienación, dependencia, entre la ciudad y el trabajador, una ciudad de eruditos y pensadores, perfectamente diseñada, que vive en las maravillas no podría existir sola sin los obreros, son dos opuestos inseparables, que necesitan el uno del otro para poder subsistir.

Tenemos también a la figura del autócrata y único gobernante supremo Jhon Fredersen, en la cúspide inalcanzable para los de abajo, pero sirviendo de inspiración para su propio trabajo mecanizado.

La muestra de los dos grandes antagonismos que mueven al mundo, la pureza de la María verdadera, el altruismo, la belleza, la esperanza de una clase que espera la salvación la fe encarnada; y por otro lado tenemos a su clon, quien representa los vicios, los siete pecados capitales, las disputas entre los hombres, la competencia, la conquista por un bien insatisfactorio inalcanzable.

La contradicción de Freder hijo, quien se siente conmovido por los niños que observa, son sur hermanos y le hacen preguntarse por todo aquello que esta a su alrededor, ¿como se mantiene? ¿gracias a quien? diciendose a si mismo que no sabe nada de esas personas, viendo como el poder de su padre lo ha llevado a estar arriba en total desconocimiento de las propias bases que sostienen la creación de su padre. 

En conclusión podemos ver en Metropolis como Lang mantiene un discurso elitista sobre la clase obrera, mostrando en el final una supuesta reconciliación entre la clase obrera y el empresario a través de un mediador. Creo que Metropolis no solo fue futurista en la innovación cinematográfica, sino también a nivel de concepto y expansión de percepción acerca del devenir humano en cuanto a que la misma explotación sigue existiendo con ese gran mediador, que si observamos a nuestras sociedades actuales, el papel de Freder hijo, lo cumplen los medios de comunicación. ¿Porque? Por que; los Mass-Media son especialistas en la creación de realidades fortuitas, influyendo tanto en pensamientos como sentimientos, haciéndoles amar - como bien lo vemos en la película – su propia opresión, haciéndoles sentir orgullosos de su contribución y ser una pieza más de este gran bloque que les machaca y humilla.

Alejandro Aristeguieta.

 

Sunrise - F.W Murnau - 1927

Amanecer de Marnau es una obra exquisita que mantiene el simbolismo y el expresionismo del cine alemán, pero esta vez no con la fantasía que nos ofrece Fritz Lang o Noferatu, sino con un carácter totalmente humano que nos baña de empatía, sentimentalismo y realismo simbólico. No cambe mas decir que Amanecer mantiene ese lujoso y exquisito juego de cámara, esta vez trabajando con dos directores de fotografía en conjunto Charles Rosher y Karl Struss genios con un concepto pictórico del encuadre, juego de contraluces, superposición de negativos y creación de atmósferas impresionante. Amanecer no escapa de ser una obra maestra en cuanto a nivel artístico, fotográfico, de montaje, guión, dirección y actuación.

Esta es la llegada de Marnau a Hollywood, con la cual destaca y rompe los esquemas al momento de plantear su cine y también da paso a la apertura y establecimiento de un genero que sería usado para grandes sandeces también. Es imposible ver Amanecer y no hacer una analogía con nuestro pensamiento y remontarnos a nuestra época actual y ver cual es el hermoso origen de las pútridas novelas televisivas latinoamericanas y los grandes chascos del amor de la cartelera América hollywoodense.

Creo que lo mas hermoso y exquisito de esta gran trama es que para que Marnau junto a Carl Mayer desarrollaran este gran guión esto tuvo que haberles sucedido a alguno de ellos o por lo menos saber de alguien que le haya sucedido; porque es justamente eso lo que la hace tan fascinante, su realismo y conexión con el espectador, es decir; esto es algo que me ha pasado a mi y a muchos, yo al igual que otros se que se han identificado con el protagonista de esa película y han identificado a su pareja con la esposa del personaje, como también ha llegado a sus pueblos esa chica de la ciudad, y creo que esta conexión que ha logrado Marnau, además de los fabuloso de la trama y su simbolismo, es lo que la hace tan mágica.

Cada detalle en las escenas para Marnau cuenta y esto es impresionante. Tenemos al principio a este hombre a la espera encerrado en la rutina de su relación y escucha el silbido de aquella chica entrometida, ahí mismo vemos como la duda se hace presa de él, la desesperación la angustia, y ese sentimiento de remordimiento inigualable que le pone a sudar, y para demostrar todo eso que siente, necesario solamente una mirada, mirada hacia un gesto inigualable de una esposa fiel y amorosa, - y aquí es donde resalto el comentario anterior acerca de los detalles – la mesa colocada.

Creo que Marnau no lo hubiese podido expresar mejor simplemente con esa toma de la mesa ya nos esta transmitiendo todo el agobio, el deseo insaciable y remordimiento que siente nuestro protagonista, esto es algo que ha sentido todo hombre que tiene una aventura fuera de su relación oficial, todos, hemos mirado alguna vez esa mesa, imagen que engloba todo lo parecido, es decir; ya sea en nuestros tiempos un mensaje de “te amo” o el detalle no material pero si sentimental que nos ha regalado nuestra amada. Maranau demuestra allí de como por encima del placer subsiste un sentimiento mas fuerte que es el amor, pero como a veces ese amor es dominado por el placer, una paradoja.

Al momento este hombre sale y se escabulle por un bosque obscuro, que solo se encuentra alumbrado por la luz de la luna, el túnel obscuro del subconsciente como nos diría Sigmund Freud; es allí donde están las dudas donde no se logra verse a si mismo. Como también allí encuentra la solución a su gran paradoja, pero inicio a todos sus problemas. 

Es entonces cuando irrumpe esta chica en su territorio, este pueblo que nos enseña Marnau no es más que el corazón de todo hombre donde siempre irrumpe una extranjera deseada por el placer pero no deseada por el amor. Se encuentran los dos bajo la luna llena, luna quien es la que rige nuestras emociones y cuando llena está es que los sentimientos se encuentran a flor de piel, y efectivamente se besan apasionadamente, transmiten la sensación de sentirse enamorados por primera vez, el hombre escapa de su rutina y ella cree haber encontrado a su gran amor lo cual es tambien su obsesión, tanto así que ella le hace imaginar una vida juntos en la ciudad y el cae bajo esa ilusión (quiero hacer un paréntesis acá para hacer referencia a esa escena, ya que me doy cuenta de como la técnica de la superposición de negativos que veíamos con Melies que nace como un accidente, se ha mejorado y adaptado completamente al lenguaje cinematográfico).

Y es así, tanto es la ilusión de la hembra que el hombre acepta desesperadamente, pero en fracción de segundos cae en consciencia y le viene a la mente su mujer, y le pregunta ¿Pero que hago con ella? Y ella responde: Mátala y que parezca un accidente. Quizá en la historia que escucharon Marnau y Myles esto si fue así, pero como su su cine trasciende la realidad mostrada, he aquí una gran muestra de expresionismo: Mátala y que parezca un accidente, nos lleva a muchas varias interpretaciones, es decir; eso es abandona a tu mujer por mi, déjala y olvídate de ella, yo soy más importante que ella, etc. Todo lo que hoy vemos en ese mal llamado drama televisivo.

El hombre fascinado y aglutinado por las ideas de su amante cae preso, cautivo de ellas. Lo mas impresionante es como Marnau nos transmite una escena y sentimiento netamente sexual sin necesidad de mostrar ni una chispa de ello. Esta sobre entendido con las imágenes de que tuvieron una noche pasional, y el hombre cae presa de su recuerdo, y no hay mejor imagen para expresarnos eso que la siguiente:

Además de, tenemos otra gran muestra del simbolismo de Marnau con la siguiente escena:

Porque dicha escena nos muestra dos cosas, el hombre preso de sus recuerdos de esa gran noche llena de culpabilidad, y algo sumamente interesante que nos lleva a los estudios del psicoanálisis, el colocar agua pasando por encima de él, el agua para el psicoanalistas representa también al subconsciente y sus emociones, vemos como nos expresa las emociones atormentadas y revueltas solo con dos imágenes.

Luego tenemos a nuestro protagonista sumergido en esta gran encrucijada, en el: no se que hacer. Invita a su mujer a dar un paseo en un lago, aparentando que todo esta bien, como fingimos todos, nada pasa, un par de sonrisas para luego lanzar a bomba de la ruptura, en el caso del film el plan del asesinato. Representar situaciones de la vida, con situaciones extremas. Cuando se comenten ese tipo de acciones ya no hay vuelta atrás en las relaciones, como bien lo vemos expresado en la mujer que sale corriendo despavorida de su esposo y el arrepentido detrás de ella.

La acción nos lleva a otra acción mas fuerte. Es menester resaltar en las escenas que se han ido descomponiendo arriba paso a paso la gran verosimilitud existente entre las imágenes, cada una nos sugiere un pequeño gesto que nos comunica el devenir del film, algo que he ido notando en casi todas las películas mandadas de tarea, es decir; cada escena dentro de su crisis, clímax y resolución nos ofrece una pista, un código la cual nos sugiere tanto un todo del film, como una señal de lo que va a ocurrir en la siguiente escena.

El hombre detrás de su amante va detrás de ella, y va a donde ella desee y entran a la ciudad, para mí, esta ciudad donde entran los dos amantes, no es más que lo nuevo que busca la pareja, el salir de la rutina, el conocerse en otras situaciones, vivir emociones distintas, y a pesar de que todo empieza con aquel amargo recuerdo de lo sucedido, donde todavía quedan las asperezas y la lucha por el perdón de su amada, todo en este nuevo ciclo empieza a superarse y transformarse en una nueva armonía del amor, ya que es la llegada de lo nuevo.

Y eso justamente es lo que vemos, el persiguiéndola a ella a todos los lugares, realizando obsequios y detalles, como las flores que le compra para ver si es posible de esa manera recuperar los daños realizados por su persona.

Esta escena la cual he parado varias veces y he recortado demuestra el gran estudio fotográfico de Charles Rosher y Karl Struss

Si observamos con detenimiento estos tres recortes de las escenas nos damos cuenta de como en cada uno de ellos existe una fotografía perfectamente compuesta, juego geométrico con los personajes en las mesas los cuales nos dan un ritmo y balance perfecto, como también una distinción de planos. Encontramos también ese ritmo en las paredes de vidrio, que forman una gran seguidilla hacia la puerta de salida, estas paredes de cristal nos ofrecen también el punto de fuga en la imagen. Considero que con este tipo de escenas es donde queda dicho y establecido esas grandes apreciaciones que nos ofrecieron Cartier Bresson y Walter Benjamin, para resumir en una frase: Antes de estudiar a la fotografía se debe estudiar primero a la pintura. Estas parecen cuadros perfectamente estudiados.

Luego de esto, la amada de nuestro protagonista envuelta en nuestro sentimentalismo observa a todas esas parejas felices, que se aman como si fuese la primera vez que están juntos y lo vemos reflejado en la escena de la iglesia, y es ahí cuando nuestro protagonista entra en lagrimas, se da cuenta de lo que ha hecho y de lo que casi pierde y le implora su perdón.

A partir de allí, ya una vez superados los problemas nuestra pareja avanza por ese nuevo camino, y todas las nuevas vivencias les hacen darse cuenta de que no pueden estar separados el uno del otro, y considero que queda resumido en esta escena:

Pero es ahí cuando la felicidad esta en su cúspide más alta, y donde se cree que todos los errores se han pagado y que ya nada podría pasar, donde la vida actúa, y le demuestra aquel hombre que lo mismo que el quiso hacerle a su amante una vez por un deseo banal ahora lo hará ella para ofrecerle una lección.

Efectivamente nuestro hombre cae victima de la desesperación, no encuentra a su mujer amada, y va a donde su amante para asesinarle pensando que es su culpa, cuando en realidad es de él y nadie más.

Se encuentran se reconcilian y se aman, y la chica de la ciudad sale del pueblo.

Es preciso analizar los últimos hechos con la siguiente imagen que nos ofrece Marnau dentro de su simbolismo y expresionismo, ademas claro de ofrecernos una gran composición atmosférica y surrealista. 

Si bien partimos de la premisa arriba escrita, de que el este pueblo sin nombre y sin ubicación nos representa el corazón de un hombre, cualquier hombre por eso los personajes no llevan nombre, esta imagen no representa más que, cuando la claridad llega a ese corazón confundido lleno de dudad, por eso al principio el cielo nublado, y justamente esto pasa cuando la mujer de la ciudad desaparece, que ella también podría ser cualquiera. Se va aquello que atormenta los sentimientos y sale el sol, la energía que todo lo mantiene vivo, el amor.

Para concluir, Amanecer de F.W. Marnau es una obra maestra por las siguientes razones: Esta película la observe totalmente en ingles, no manejo muy bien el idioma, pasando por encima de que los intertitulos y el lenguaje utilizado es sumamente sencillo, estoy seguro de que alguien que no manejase el idioma por completo hubiese entendido a la perfección la película, esto nos da muestra de como un film mudo puede expresarnos tanto, el dramatismo de los personajes y sus expresiones, la manera de sentir lo que se narra es increíble, pues creo que si Marnau no hubiese colocado los intertitulos hubiese sido igual de perfecta, creo que se encuentran allí a modo de narrativa visual, es cuando nos podemos dar cuenta de como las imágenes sobrepasan a las palabras y como estas se transforman en pensamientos sumamente claros,existe en ella una fuerza visual increíble. Encontramos personajes que viven a servicio de la historia, que nos permiten tener una mera identificación con ellos al ser anónimos, es sencillamente un retrato visual de la vida llevado a la pantalla, es la sencillez convertida en una maestría de imágenes. Alejandro Aristeguieta.