The General - Buster Keaton - 1927

El Maquinista de Keaton es una obra maestra de la comedia del cine, a mi parecer con una comedia más humanista, idealista y sentido real que la comedia de Charles Chaplin. Keaton nos presenta un personaje amable y decidido, nada débil, más bien valiente, con actitudes de héroe mediocre queriendo ser para su amada algo más de lo que él mismo es. Y así lo vemos, cuando nuestro pequeño aventurero recibe la noticia de que a comenzado la guerra es el primero en querer alistarse y tomar las armas para defender su nación. Esto es un poco cómico ya que dentro del humor de Keaton podemos ver como para él la guerra civil es superflua y poco importante, no solo por hacer un poco de humor con esta historia norte americana inspirada en el relato A History Of The Great Railway Adventure, sino que da una patada al patriotismo Yankee haciendo del protagonista un sureño rebelde. 

Y Pues así empieza nuestro film, a mi parecer como una burla del patriotismo americano, considerado sacrilegio en aquella época, avalar al sur y ni si quiera mostrar la victoria de norte. Vemos a nuestro personaje Johnnnie Gray apasionado por su trabajo he inspirado dentro de su torpeza, amante de su maquina y de aquella mujer que todavía no le corresponde. Al iniciar la guerra vemos como la actitud de nuestro protagonista se transforma para demostrarle a ese gran amor su valentía, y sin más ni menos decir ir a formar parte de las filas rebeldes. Se compara con los otros hombres por su bajo tamaño al decirle que no es aceptado ya que no se le dice porque y poco inteligente para intuir la razón de que sería mas útil como maquinista. 

En fin nuestro hombre sale por la puerta de atrás de la oficina y el hermano y padre de su amada lo ven pensando que no ha querido alistarse, cuando más bien hizo todo lo posible. Vemos aquí como la comedia del cine siempre intenta mezclar consigo la tragedia, es decir, un poco de esa mala suerte burlona que hacen de nuestro personaje un torpe simpático. Más allá de las impresionantes tomas fotográficas lo que más llama la atención de esta película es la verosimilitud entre las imágenes, hay una unión perfecta entre una escena y otra.

Siento que Keaton desea mostrar a la gente lo importante y ridículo que puede llegar a ser el patriotismo para los norte americanos, haciendose ver menos delante de su amada cuando está le quita el habla por creerle un cobarde y no poseer un uniforme. Hay una escena en especial que muestra ese gran afán banal patriota del norte americano y sobre todo en las mujeres, cuando Annabelle Lee debe ir a visitar a su padre, cuando ella habla con su hermano ve a Johnnnie Gray mientras le toca las medallas a su hermano, a mi parecer ese gesto lo define todo, transmite pretensión, banalidad, y un reflejo absurdo de superioridad ante un civil.   

Antes de esta escena tenemos para mi lo que es el punto clave en nuestra trama, el plan del robo de La General por parte de los Yankees, he ahí nuestro incidente incitador que da pie a todo lo que veremos a continuación, ya nuestro amigo Johnnnie Gray estaba decepcionado por no poder alistarse no faltaba más que una tragedia para esta ser una excusa y poder participar en la guerra. Podemos decir que Johnnnie Gray es una especie de anti-héroe que entra en la guerra por meros accidentes.

A Gray le roban su locomotora, sera esto lo que lo lleve a ser un futuro general del Sur, como hemos dicho arriba, por puros accidentes. Gray al ver el robo, y sin saber que le habían robado a su amada, sale detrás de la locomotora, pues, es ese su otro gran amor. En esta fase de la trama vemos a un Keaton espectacular, conocedor del terreno en donde se desenvuelve, arriesga su propia vida para lograr tomas maravillosas, excelentes paisajes planimetricos capturados por parte del director de fotografía Bert Haines.

Vemos como nuestro protagonista, deja de ser un hombre torpe, para convertirse en alguien ágil capaz de arriesgar su vida por aquello que esta haciendo, y es algo que para mi se refleja no solo en el personaje sino también en el verdadero Keaton. Vemos a Keaton manejando un tren de gran magnitud, saltando, trepando, brincando todo el inmenso cuerpo metálico de semejante maquinaria, colgado casi tocando los rieles en situaciones sumamente riesgosas para si, que logra transmitir de una manera impresionante a través de Gray.

Para Jhonnnie Gray todo son golpes de una suerte, ambivalente y su incapacidad de ser diestro, así logra mantener una increíble persecución al tren de los Yankees, donde observamos una cámara en movimiento continuo que nos permiten una linealidad en nuestras imágenes y la trama que se desenvuelve. Entre toda la aventura de la persecución llena de trabas y desvíos, llega a su fin de una manera graciosa y sostenida en la narrativa, ahí vemos la importancia del dialogo, del saber escribir lo que se quiere precisamente en el cine. ¿Porque acaba nuestra persecución? Hace unas cuantas escenas vemos a los hombres del norte diciendo “Tenemos que seguir en esa locomotora hay muchos más que nosotros”

sin esta frase no tuviese sentido alguno parar la persecución de los trenes, ya que, esta acaba cuando los Yankees se dan cuenta de que en la locomotora solo esta Grayn y de hecho lo dicen: “General en esa locomotora solo viene un hombre”. Nos damos cuenta entonces la importancia de cada dialogo y cada palabra pronunciada.

Luego de esto tenemos otra desdicha para nuestro protagonista, el hambre el frió, la mala situación, que gracias a ella es capaz de descubrir la emboscada de los Yankees. Tenemos entonces la utilización de esa mala suerte burlona, como un golpe de suerte, una paradoja, que le permite a nuestro hombre llegar hasta territorio enemigo y salvar a su amada. Vemos aquí también la utilización de la pintura azul en los negativos para simular la noche.  

He aquí el hilo conductor de nuestra aventura, estas escenas del rescate y estadio en la casa enemiga son aquellas que permiten la unión del regreso de nuestro hombre a casa junto a su amante, pues, sin ellas no tendría sentido alguno.

Nuestro personaje, completamente inexpresivo, quien a través de su rostro no genera ni frió ni calor se devuelve junto a su mujer a través de un improvisado plan al Sur, juntos se embarcan ahora en la aventura de luchar contra los Yankees del mismo modo que lo hizo Gray para llegar hasta ella. Así pues nuestros dos protagonistas llegan al campamento sureño, pasando por travesías llenas de torpeza pero ayudando más de lo que creen.

Es así como informan y por primera vez Gray participa en la guerra, pero más que su participación aquello que le convierte en general fue toda su travesía para salvar a su locomotora y a la vez a su gran amor. Y así para dar un final feliz, nuestro anti-héroe es convertido en general y no solo obtiene un gran puesto en el ejercito rebelde sino también el amor de aquella mujer que siempre deseo. 

Para concluir considero a “El Maquinista” como una obra maestra de la comedia, no solo con carácter humano, sino por la capacidad de expresión en cuanto a las vivencias de los personajes, las travesías y la gran aventura que nos muestra, además de contener para mi un pequeño papel critico acerca del patriotismo norte americano. 

Alejandro Aristeguieta

Metrópolis - Fritz Lang - 1927

En comparación con películas anteriores a la época de Metropolis, Metropolis da un salto sumamente radical en cuanto a la estética y definición de la imagen, observamos un blanco y negro mas refinado un juego de iluminación y claros oscuros. Metropolis tiene la particularidad que en la dirección fotográfica participaron tres directores, Karl Freund, Gunter Rittau y Walter Ruttman. Estos hombres lograron del montaje algo impresionante, vemos juegos de cámara en una misma escena, un plano general combinado con un plano detalle, seccionando partes de cuerpo que se integran a un primer plano, encuadres sumamente pulcros y por supuesto una composición con un concepto pictórico establecido, donde las marcas del lenguaje están perfectamente fijadas.

Se ve le uso de la iluminación y la creación de texturas nuevas en los escenarios. La fotografía como la puesta en escena tiene un concepto netamente de expresionismo. Vemos como las imágenes plasmadas, de gran impacto, nos representan en su mas puro concepto a la lucha de clases, la alienación obrera, la explotación del hombre por el hombre y una pequeña inclinación al marxismo.

La primera escena plantea un encuadre impactante, cuadrado y mecánico, que nos sugiere este gran mundo de maquinas, la cual contiene una danza obrera contextualizada en la monotonía y el ser autómata ignorante de si mismo, estos obreros forman una gran masa geométrica que no se conoce y es dependiente de la verticalidad humana en una posición de sumisión (cabeza abajo), como a su vez el ciclo infinito interminable del trabajo obrero. 

Vemos la realización de escenarios arquitectónicos nunca antes vistos de una gran ciudad industrializada, la cual para la época de Lang representaba una visión futurista con el creciente poder del capitalismo, ciudad inspirada en su viaje a New York. Observamos un juego geométrico y una perfecta composición en las lineas, posición y balance de los edificios.  

Al ser la primera película de ciencia ficción, hay que tener en cuenta que Metropolis hace para sí artísticamente una colección de elementos de vanguardia futuristas, permitiendo así la transformación completa de los escenarios como la creación pura de una nueva realidad, no solo una nueva realidad, sino que es la transformación conceptual del planeta a través del montaje. Cada elemento en la escena nos representa un símbolo, un todo del tema en sí. Se observa también la unión entre el arte y la ingeniería preconizada por Walter Gropius.

En cuanto a la decoración de los interiores se ve un reflejo del Art Déco, se puede observar también en el montaje la mezcla con el surrealismo en la escenografía. Se observa ademas un juego con el erotismo y el cuerpo semi-desnudo de la mujer fatal, haciendo alusiones al los siete pecados que Lang desea manifestar.

Los tecnicismos, en el film podemos observar nuevas formas de trucaje y estenografía, el uso de maquetas, perspectivas ambiguas que sugerían encuadres diagonales u oblicuos, las imágenes también contienen una verosimilitud sumamente planificada y estéticamente profundas, cada una nos siguiere el devenir del film.

Creo que Metropolis afirma los contrastes en el arte alemán cinematográfico, en cuanto a lo visionario, el subjetivismos, el expresionismo y las tormentas de las grandes mentes alemanas. Como bien dijo Nietzsche: el arte alemán es esencialmente Dionisíaco mientras que el francés es Apolíneo.

Creo que no hay mejor escena que está, para demostrar el estudio pictográfico del montaje de los directores de fotografía de Metropolis. Observamos un encuadre con una figura central endiosada iluminada de un modo sublime, sin restarle importancia, haciendo énfasis en su pureza y religiosidad, formando una composición de cuatro cruces mostrándonos un lúgubre altar. Ademas de eso, notamos como la iluminación se pierde al final de las escaleras, dando esa sensación de la virgen inalcanzable. Observamos también la belleza del juego geométrico en la posición de los trabajadores, formando un cuadro perfecto, donde cada uno posee un espacio, existe un balance y un respiro de los hombres que allí se observan.

El guión fue una adaptación de la novela de su propia esposa Thea Von Harbur. Observamos el gran panorama estructurado que formo Lang junto a su esposa para realizar una secuencia de actos que no divagaran entre sí, y siendo así tan extensa que fue este el film más caro de la historia alemana. Lang y su esposa nos trasladan y de una magnifica manera al año 2026, es decir; cien años después de su rodaje, donde nos muestran como la verticalidad humana y el dominio de clases ha llegado a su extremo, colocando así a la clase obrera bajo la superficie. Se observa como Lang introdujo el incidente incitador con los niños en el jardín de los hijos y a partir de allí nuestra trama y el conflicto de Freder hijo se desarrolla llevandonos por una serie de contradicciones en si mismo y la curiosidad con las bases de la ciudad, observamos el juego entre las esferas de poder entre Freder padre y el creador de la maquina humana.

Personalmente creo que Lang para su época, quiso hacer ver la transformación industrial por la cual pasaba la sociedad del siglo XX llevada al futuro. En el siglo XX el hombre entraba en una nueva etapa junto a las maquinas, quienes desplazaban a una sociedad agraria, la brecha entre rico y pobres se extendía cada vez más, ya que, la burguesía acentuaba sus bases y las fabricas eran centros de explotación imparables sin ninguna caracterización humana como bien nos refleja en la película. La cultura se reinventaba a sí misma con la tecnología, la maquina era considerada un bien incondicional, el nuevo esclavo metálico abordado por la razón y tan frió como lo que esta hecho. La maquina significaba entonces la conquista del progreso.

Podemos considerar a Metropolis como un film en rechazo de la modernización basada en el capitalismo, en esa falsa modernidad compuesta y realizada solo por unos pocos pero construida por millones, por eso podemos observar la analogía que realiza Lang con la torre de Babel. Intenta rechazar el ser autómata trabajador de un sistema que solo le humilla del cual no recibe ninguna remuneración verdadera, con un trabajo que no dignifica sino que le sumerge más en esa falsa realidad y que le hace estar satisfecho aceptando todo sin un cuestionamiento, mostrando así ese carácter frio de la maquina, la cual la convierte en un instrumento de destrucción y deshumanizador.

El hombre es esclavizado por dicha maquina, mientras aquellos que se encuentran más arriba disfrutan de los nuevos privilegios y del dolor de los de más, aquel que cimienta su gran ciudad, por eso vemos claramente expresado en el film la antagónica lucha de clases. Lang coloca a los obreros como una clase incapaz de si misma, dejándose llevar por falsos ideales, que no terminan más que destruyendo sus propios medios de producción, allí a pese de que la película puede denotar un carácter marxista, vemos una critica severa al socialismo, mostrando como la relación que existe debe ser manejada de una manera diferente, más no debe dejar de existir.

Coloca a los mismos como un rebaño de ovejas, que se mueven al unisono, desconociendo de si mismos y su futuro, apegados no más que la rutina del presente, degradados como simples animales que pueden ser engañados e impresionados fácilmente.

Existe alienación, dependencia, entre la ciudad y el trabajador, una ciudad de eruditos y pensadores, perfectamente diseñada, que vive en las maravillas no podría existir sola sin los obreros, son dos opuestos inseparables, que necesitan el uno del otro para poder subsistir.

Tenemos también a la figura del autócrata y único gobernante supremo Jhon Fredersen, en la cúspide inalcanzable para los de abajo, pero sirviendo de inspiración para su propio trabajo mecanizado.

La muestra de los dos grandes antagonismos que mueven al mundo, la pureza de la María verdadera, el altruismo, la belleza, la esperanza de una clase que espera la salvación la fe encarnada; y por otro lado tenemos a su clon, quien representa los vicios, los siete pecados capitales, las disputas entre los hombres, la competencia, la conquista por un bien insatisfactorio inalcanzable.

La contradicción de Freder hijo, quien se siente conmovido por los niños que observa, son sur hermanos y le hacen preguntarse por todo aquello que esta a su alrededor, ¿como se mantiene? ¿gracias a quien? diciendose a si mismo que no sabe nada de esas personas, viendo como el poder de su padre lo ha llevado a estar arriba en total desconocimiento de las propias bases que sostienen la creación de su padre. 

En conclusión podemos ver en Metropolis como Lang mantiene un discurso elitista sobre la clase obrera, mostrando en el final una supuesta reconciliación entre la clase obrera y el empresario a través de un mediador. Creo que Metropolis no solo fue futurista en la innovación cinematográfica, sino también a nivel de concepto y expansión de percepción acerca del devenir humano en cuanto a que la misma explotación sigue existiendo con ese gran mediador, que si observamos a nuestras sociedades actuales, el papel de Freder hijo, lo cumplen los medios de comunicación. ¿Porque? Por que; los Mass-Media son especialistas en la creación de realidades fortuitas, influyendo tanto en pensamientos como sentimientos, haciéndoles amar - como bien lo vemos en la película – su propia opresión, haciéndoles sentir orgullosos de su contribución y ser una pieza más de este gran bloque que les machaca y humilla.

Alejandro Aristeguieta.

 

Sunrise - F.W Murnau - 1927

Amanecer de Marnau es una obra exquisita que mantiene el simbolismo y el expresionismo del cine alemán, pero esta vez no con la fantasía que nos ofrece Fritz Lang o Noferatu, sino con un carácter totalmente humano que nos baña de empatía, sentimentalismo y realismo simbólico. No cambe mas decir que Amanecer mantiene ese lujoso y exquisito juego de cámara, esta vez trabajando con dos directores de fotografía en conjunto Charles Rosher y Karl Struss genios con un concepto pictórico del encuadre, juego de contraluces, superposición de negativos y creación de atmósferas impresionante. Amanecer no escapa de ser una obra maestra en cuanto a nivel artístico, fotográfico, de montaje, guión, dirección y actuación.

Esta es la llegada de Marnau a Hollywood, con la cual destaca y rompe los esquemas al momento de plantear su cine y también da paso a la apertura y establecimiento de un genero que sería usado para grandes sandeces también. Es imposible ver Amanecer y no hacer una analogía con nuestro pensamiento y remontarnos a nuestra época actual y ver cual es el hermoso origen de las pútridas novelas televisivas latinoamericanas y los grandes chascos del amor de la cartelera América hollywoodense.

Creo que lo mas hermoso y exquisito de esta gran trama es que para que Marnau junto a Carl Mayer desarrollaran este gran guión esto tuvo que haberles sucedido a alguno de ellos o por lo menos saber de alguien que le haya sucedido; porque es justamente eso lo que la hace tan fascinante, su realismo y conexión con el espectador, es decir; esto es algo que me ha pasado a mi y a muchos, yo al igual que otros se que se han identificado con el protagonista de esa película y han identificado a su pareja con la esposa del personaje, como también ha llegado a sus pueblos esa chica de la ciudad, y creo que esta conexión que ha logrado Marnau, además de los fabuloso de la trama y su simbolismo, es lo que la hace tan mágica.

Cada detalle en las escenas para Marnau cuenta y esto es impresionante. Tenemos al principio a este hombre a la espera encerrado en la rutina de su relación y escucha el silbido de aquella chica entrometida, ahí mismo vemos como la duda se hace presa de él, la desesperación la angustia, y ese sentimiento de remordimiento inigualable que le pone a sudar, y para demostrar todo eso que siente, necesario solamente una mirada, mirada hacia un gesto inigualable de una esposa fiel y amorosa, - y aquí es donde resalto el comentario anterior acerca de los detalles – la mesa colocada.

Creo que Marnau no lo hubiese podido expresar mejor simplemente con esa toma de la mesa ya nos esta transmitiendo todo el agobio, el deseo insaciable y remordimiento que siente nuestro protagonista, esto es algo que ha sentido todo hombre que tiene una aventura fuera de su relación oficial, todos, hemos mirado alguna vez esa mesa, imagen que engloba todo lo parecido, es decir; ya sea en nuestros tiempos un mensaje de “te amo” o el detalle no material pero si sentimental que nos ha regalado nuestra amada. Maranau demuestra allí de como por encima del placer subsiste un sentimiento mas fuerte que es el amor, pero como a veces ese amor es dominado por el placer, una paradoja.

Al momento este hombre sale y se escabulle por un bosque obscuro, que solo se encuentra alumbrado por la luz de la luna, el túnel obscuro del subconsciente como nos diría Sigmund Freud; es allí donde están las dudas donde no se logra verse a si mismo. Como también allí encuentra la solución a su gran paradoja, pero inicio a todos sus problemas. 

Es entonces cuando irrumpe esta chica en su territorio, este pueblo que nos enseña Marnau no es más que el corazón de todo hombre donde siempre irrumpe una extranjera deseada por el placer pero no deseada por el amor. Se encuentran los dos bajo la luna llena, luna quien es la que rige nuestras emociones y cuando llena está es que los sentimientos se encuentran a flor de piel, y efectivamente se besan apasionadamente, transmiten la sensación de sentirse enamorados por primera vez, el hombre escapa de su rutina y ella cree haber encontrado a su gran amor lo cual es tambien su obsesión, tanto así que ella le hace imaginar una vida juntos en la ciudad y el cae bajo esa ilusión (quiero hacer un paréntesis acá para hacer referencia a esa escena, ya que me doy cuenta de como la técnica de la superposición de negativos que veíamos con Melies que nace como un accidente, se ha mejorado y adaptado completamente al lenguaje cinematográfico).

Y es así, tanto es la ilusión de la hembra que el hombre acepta desesperadamente, pero en fracción de segundos cae en consciencia y le viene a la mente su mujer, y le pregunta ¿Pero que hago con ella? Y ella responde: Mátala y que parezca un accidente. Quizá en la historia que escucharon Marnau y Myles esto si fue así, pero como su su cine trasciende la realidad mostrada, he aquí una gran muestra de expresionismo: Mátala y que parezca un accidente, nos lleva a muchas varias interpretaciones, es decir; eso es abandona a tu mujer por mi, déjala y olvídate de ella, yo soy más importante que ella, etc. Todo lo que hoy vemos en ese mal llamado drama televisivo.

El hombre fascinado y aglutinado por las ideas de su amante cae preso, cautivo de ellas. Lo mas impresionante es como Marnau nos transmite una escena y sentimiento netamente sexual sin necesidad de mostrar ni una chispa de ello. Esta sobre entendido con las imágenes de que tuvieron una noche pasional, y el hombre cae presa de su recuerdo, y no hay mejor imagen para expresarnos eso que la siguiente:

Además de, tenemos otra gran muestra del simbolismo de Marnau con la siguiente escena:

Porque dicha escena nos muestra dos cosas, el hombre preso de sus recuerdos de esa gran noche llena de culpabilidad, y algo sumamente interesante que nos lleva a los estudios del psicoanálisis, el colocar agua pasando por encima de él, el agua para el psicoanalistas representa también al subconsciente y sus emociones, vemos como nos expresa las emociones atormentadas y revueltas solo con dos imágenes.

Luego tenemos a nuestro protagonista sumergido en esta gran encrucijada, en el: no se que hacer. Invita a su mujer a dar un paseo en un lago, aparentando que todo esta bien, como fingimos todos, nada pasa, un par de sonrisas para luego lanzar a bomba de la ruptura, en el caso del film el plan del asesinato. Representar situaciones de la vida, con situaciones extremas. Cuando se comenten ese tipo de acciones ya no hay vuelta atrás en las relaciones, como bien lo vemos expresado en la mujer que sale corriendo despavorida de su esposo y el arrepentido detrás de ella.

La acción nos lleva a otra acción mas fuerte. Es menester resaltar en las escenas que se han ido descomponiendo arriba paso a paso la gran verosimilitud existente entre las imágenes, cada una nos sugiere un pequeño gesto que nos comunica el devenir del film, algo que he ido notando en casi todas las películas mandadas de tarea, es decir; cada escena dentro de su crisis, clímax y resolución nos ofrece una pista, un código la cual nos sugiere tanto un todo del film, como una señal de lo que va a ocurrir en la siguiente escena.

El hombre detrás de su amante va detrás de ella, y va a donde ella desee y entran a la ciudad, para mí, esta ciudad donde entran los dos amantes, no es más que lo nuevo que busca la pareja, el salir de la rutina, el conocerse en otras situaciones, vivir emociones distintas, y a pesar de que todo empieza con aquel amargo recuerdo de lo sucedido, donde todavía quedan las asperezas y la lucha por el perdón de su amada, todo en este nuevo ciclo empieza a superarse y transformarse en una nueva armonía del amor, ya que es la llegada de lo nuevo.

Y eso justamente es lo que vemos, el persiguiéndola a ella a todos los lugares, realizando obsequios y detalles, como las flores que le compra para ver si es posible de esa manera recuperar los daños realizados por su persona.

Esta escena la cual he parado varias veces y he recortado demuestra el gran estudio fotográfico de Charles Rosher y Karl Struss

Si observamos con detenimiento estos tres recortes de las escenas nos damos cuenta de como en cada uno de ellos existe una fotografía perfectamente compuesta, juego geométrico con los personajes en las mesas los cuales nos dan un ritmo y balance perfecto, como también una distinción de planos. Encontramos también ese ritmo en las paredes de vidrio, que forman una gran seguidilla hacia la puerta de salida, estas paredes de cristal nos ofrecen también el punto de fuga en la imagen. Considero que con este tipo de escenas es donde queda dicho y establecido esas grandes apreciaciones que nos ofrecieron Cartier Bresson y Walter Benjamin, para resumir en una frase: Antes de estudiar a la fotografía se debe estudiar primero a la pintura. Estas parecen cuadros perfectamente estudiados.

Luego de esto, la amada de nuestro protagonista envuelta en nuestro sentimentalismo observa a todas esas parejas felices, que se aman como si fuese la primera vez que están juntos y lo vemos reflejado en la escena de la iglesia, y es ahí cuando nuestro protagonista entra en lagrimas, se da cuenta de lo que ha hecho y de lo que casi pierde y le implora su perdón.

A partir de allí, ya una vez superados los problemas nuestra pareja avanza por ese nuevo camino, y todas las nuevas vivencias les hacen darse cuenta de que no pueden estar separados el uno del otro, y considero que queda resumido en esta escena:

Pero es ahí cuando la felicidad esta en su cúspide más alta, y donde se cree que todos los errores se han pagado y que ya nada podría pasar, donde la vida actúa, y le demuestra aquel hombre que lo mismo que el quiso hacerle a su amante una vez por un deseo banal ahora lo hará ella para ofrecerle una lección.

Efectivamente nuestro hombre cae victima de la desesperación, no encuentra a su mujer amada, y va a donde su amante para asesinarle pensando que es su culpa, cuando en realidad es de él y nadie más.

Se encuentran se reconcilian y se aman, y la chica de la ciudad sale del pueblo.

Es preciso analizar los últimos hechos con la siguiente imagen que nos ofrece Marnau dentro de su simbolismo y expresionismo, ademas claro de ofrecernos una gran composición atmosférica y surrealista. 

Si bien partimos de la premisa arriba escrita, de que el este pueblo sin nombre y sin ubicación nos representa el corazón de un hombre, cualquier hombre por eso los personajes no llevan nombre, esta imagen no representa más que, cuando la claridad llega a ese corazón confundido lleno de dudad, por eso al principio el cielo nublado, y justamente esto pasa cuando la mujer de la ciudad desaparece, que ella también podría ser cualquiera. Se va aquello que atormenta los sentimientos y sale el sol, la energía que todo lo mantiene vivo, el amor.

Para concluir, Amanecer de F.W. Marnau es una obra maestra por las siguientes razones: Esta película la observe totalmente en ingles, no manejo muy bien el idioma, pasando por encima de que los intertitulos y el lenguaje utilizado es sumamente sencillo, estoy seguro de que alguien que no manejase el idioma por completo hubiese entendido a la perfección la película, esto nos da muestra de como un film mudo puede expresarnos tanto, el dramatismo de los personajes y sus expresiones, la manera de sentir lo que se narra es increíble, pues creo que si Marnau no hubiese colocado los intertitulos hubiese sido igual de perfecta, creo que se encuentran allí a modo de narrativa visual, es cuando nos podemos dar cuenta de como las imágenes sobrepasan a las palabras y como estas se transforman en pensamientos sumamente claros,existe en ella una fuerza visual increíble. Encontramos personajes que viven a servicio de la historia, que nos permiten tener una mera identificación con ellos al ser anónimos, es sencillamente un retrato visual de la vida llevado a la pantalla, es la sencillez convertida en una maestría de imágenes. Alejandro Aristeguieta.